Crítica canción a canción de "Collapse Into Now" de R.E.M., traducida de MusicRadar.com

Con la publicación de "Accelerate" en 2008, el consenso general fue que R.E.M. se las había arreglado para frenar un declive preocupante. Los dos álbumes anteriores, mientras lograban ventas saludables, se habían encontrado con la decepcionada acogida de crítica y público, y "Accelerate" parecía proporcionar un disparo de adrenalina que debería haber experimentado hace mucho tiempo, lleno del ritmo y la urgencia de sus primeros trabajos.

El artículo menciona declaraciones de Mike Mills a Rolling Stone (entrevista que puedes encontrar traducida en este blog) y procede a analizar el disco canción a canción. Vamos allá.

Discoverer: La enérgica guitarra de Buck en la entrada de la canción recuerda tanto a "Finest Worksong" que, por unos segundos, no podríamos culpar a los oyentes por pensar que, efectivamente, estaban escuchando una versión alternativa del primer corte del "Document". Una inspección más profunda revela algún tipo de zumbido o cantinela oriental, desangrándose en crujientes y poderosos acordes, mientras Stipe grita una letra sobre la autoconciencia y las oportunidades, puntuada por un pasaje de "na-na-na-nah" parecido al riff vocal de "Hush" de Deep Purple.

All The Best: El tempo se acelera por un chirriante y casi grunge desarrollo, con Buck y el segundo guitarrista, Scott McCaughey (mucho más que un integrante tanto en el escenario como en el estudio desde 1994) estableciendo un denso muro de sonido como acompañamiento a la típica letra esotérica de Stipe. El cantante hace mención a su "corazón de Quasimodo" y cómo "repicaba la campana/hasta que mis oídos sangraban células de sangre roja". Musicalmente, recuerda a las inclusiones más duras desde "Monster".

Überlin: El lado folk de "Out Of Time" salta a la mente en la primera escucha, Buck liderando la carga con un sólido rasgueo acústico y pasando a escondidas en un punteo a modo de submelodía que recuerda al gran hit instrumental de 1960 "Classical Glass", de Mason William. Los tres miembros de la banda contribuyen en el interludio instrumental, tocado en un Korg monotron (salta hasta el minuto 2:30 para escucharlo bastante bajo en la mezcla). La demo inicial fue grabada en Nueva Orleans, y la banda optó por hacer un pequeño cambio cuando volvieron a reunirse en Nashville, añadiendo sólo la voz de Stipe y una sutil batería. De nuevo, las letras del cantante desafían la interpretación coherente, incluso para los más cercanos a la banda. "Michael tenía una idea lírica que era tan compleja que no entendía a dónde quería llegar, incluso después de que me lo explicara" contó el productor Lee al Huffington Post. "Tiene páginas y páginas de letras e ideas, con antecedentes de personajes que no figuran en la canción".

Oh My Heart: Tocada por primera vez en vivo en un podcast de la National Public Radio el pasado año, la versión de estudio se filtró en Internet por la propia website de la banda a principios de 2011; podría decirse que es la primera canción del álbum con el potencial para establecerse como la favorita de los fans y un clásico imperecedero. Grabada en Nueva Orleans, de ahí la breve y fúnebre melodía de metales de la introducción, y escrita como una plegaria post-Katrina, su ritmo parecido al vals está provisto de guitarra acústica y mandolina, con un acordeón entrando a hurtadillas a mitad de la mezcla en el primer verso. Al sencillo anhelo de Stipe en el estribillo se opone la voz-marca-registrada de Mills.

It Happened Today: Eddie Vedder, de Pearl Jam, y Joel Gibb, de la banda canadiense The Hidden Cameras, añaden voces de fondo a la línea principal de mandolina con matices de los Byrds. En palabras de los propios R.E.M., recuerda al lado más rústico del "Life's Rich Pageant", mientras que el dominio del estribillo sugiere una versión más atenuada de "Orange Crush" del "Green", o de "Texarkana" de "Out Of Time". La voz de Stipe es acelerada en la mezcla, ¡lo que hace más difícil cualquier intento de descifrar la intención de la letra!.

Everyday Is Yours To Win: Otro clásico contemporáneo, el simplista (en la escucha inicial) tempo de la melodía toca la misma fibra emocional que "Everybody Hurts", en tanto que comparte con esa canción un mensaje de esperanza, fuerza y apoyo: "No puedo contar una mentira/No es en absoluto una tarta de cereza/Pero todo esto está esperando allí por tí". La línea de guitarra sin pretensiones escogida por Buck es doblada por Mills con lo que suena como un glockenspiel, dándole a la canción el sentimiento de una tranquilizadora canción de cuna. El repetido "¡Hey, yeah!" del estribillo pide a gritos ser cantado animadamente por el público, aunque todo apunta a que la banda no tocará en vivo para promocionar el disco.

Fotograma del clip "Mine Smell Like Honey"

Mine Smell Like Honey: Sórdida y llena de rock, con metáfora sexual incluida ("Vas a cantar los elogios de tu fruta"), encuentra a Buck, al menos parcialmente, reconectando con el jungle indie de los primeros tiempos de la banda ("Murmur", "Reckoning"). El estribillo con la doble voz de Stipe es acompañada por un Mills de fondo que gime una melodía de contraste que también tiene el sello distintivo de los antiguos R.E.M.

Walk It Back: Otra pista de la sesión de Nueva Orleans. La ciudad claramente inspira los himnos de la melodía de piano, que hace referencia a la sombría seleccón de cierre de "Automatic For The People" ("Nightswimming", "Find The River"). Stipe proporciona una medio susurrada voz ronca; su solícita entrega realza aún más la naturaleza espiritual de la pieza. Muy pocas guitarras principales de bandas de rock blancas pueden llevar a buen puerto la introspección soul con este nivel de autenticidad.

La cantante Peaches

Alligator Aviator Autopilot Antimatter: Sólo el título trae a la mente la especie de parodia que Chris Morris podría haber creado para The Day Today o Brass Eyes, y está claro que la banda se está divirtiendo, rehusando tomarse a sí mismos demasiado en serio. Es una devastadora paliza de rock, con Buck y Mills aparentemente poniendo los más queridos singles new wave de su juventud en una batidora para hacer un fresco y deliciosamente zalamero power pop, con la guitarra añadida del veterano músico/productor Lenny Kaye. Líricamente, Stipe está en el mismo modo deliberado de escupir las palabras de "It's The End Of The World As We Know It", con la dura rockera Peaches gritando en un rol similar al que Kate Pierson, de B-52's, desempeñó en "Me In Honey".

That Someone Is You:  Los tres miembros de R.E.M. se sitúan ahora en los primeros 50, pero no lo deducirías escuchando esta carga adolescente de melódico garage pop, una emocionante y enérgica combinación de The Lovin' Spoonful y The Flamin' Groovies, con Buck y McGaughey exagerando las guitarras a velocidad de vértigo. Una de las pistas más cortas que la banda ha grabado (apenas llega al minuto y medio) es en gran parte una canción de amor de las de siempre, aunque Stipe no puede resistirse a dar un pequeño pellizco rimando "Sharon Stone Casino" con "Scarface Al Pacino" y "74 Torino". Hablando de estrellas de cine...

Me, Marlon Brando, Marlon Brando And I: Debe de ser sólo una coincidencia, pero esta acústica introspectiva tiene sorprendentes similitudes a la última canción de R.E.M. con nombre de actor en su título, "Monty Got A Raw Deal", referida a Montgomery Clift, del "Automatic For The People". Mientras que la pista más antigua se dirigía específicamente a la insensible reacción de Hollywood ante la homosexualidad de Montgomery Clift, el significado no está lo bastante claro aquí, a excepción de una vaga insinuación de Stipe identificándose con algunos aspectos de la vida de Brando. En la inclusión más sencilla del álbum, el cantante es acompañado por una suave guitarra acústica y una mandolina, un discreto órgano y brushed drums (técnica consistente en tocar la batería acariciándola con cepillos).

Stipe y Smith en plena actuación

Blue:  La segunda aparición de Patti Smith en una canción de R.E.M. comparte paralelismos en cuestión de sonido con "E-Bow The Letter", del disco de 1996 "New Adventures In Hi-Fi". Con un ritmo como de dirge, reforzado por una crispada guitarra, la resonante voz de Stipe toma la forma de un poema beat medio hablado, un catálogo de declaraciones aparentemente inconexas, incluyendo la frase que da título al álbum. Smith, a la que Buck reivindica como la que sugirió el título del disco tras leer la hoja con la letra de "Blue", canta lánguida (e igualmente enigmática) sobre la diatriba de Stipe ("Chico cenicienta, perdiste los zapatos") añadiendo al sentido dominante de la canción otra visión.

Veredicto

Puede que no haya ningún progreso radical, y quizá estaríamos equivocados al esperar tal cosa de una banda a punto de cumplir cuatro décadas unida, pero "Collapse Into Now" sugiere que R.E.M. están poniéndose en contacto con muchos de los elementos pasados que los hicieron tan fascinantes. Haciendo escala en los numerosos alfileres del mapa musical de su dilatada historia, R.E.M. están desafiando intencionadamente a todo el mundo, críticos y fans, para encontrar una casilla libre en la que situar su último álbum. Es un mareante  y dispar recorrido, ningún estilo o dirección tiene prioridad sobre otro, pero las canciones encajan sorprendentemente bien, y, tal y como afirmó Mills las semanas previas a su grabación, el disco "cobra sentido como un todo". R.E.M. significa muchas cosas para muchas personas, y casi todas ellas son atendidas en este álbum.

Puedes leer la reseña original y escuchar algunas de las canciones en MusicRadar